CHINA PAMPA de Ignacio Huang y Juan Francisco Dasso

Ficha técnica

Actores: Ignacio Huang, Viviana Cantín, Carlos Martín Fernández, Xiaodi Chen.
Escenografía: Susana Boitier.
Asistencia de dirección: Juan Pablo Dasso.
Texto: Ignacio Huang, Juan Francisco Dasso.
Dirección: Juan Francisco Dasso.
Prensa: Octavia Comunicación www.octaviacultura.com.ar
Sala: La Carbonera

China Pampa es una comedia liviana sobre la construcción de la identidad sobre sí mismo un ciudadano chino en el medio de un paso fronterizo de la provincia de Quinghai. Lucero (Ignacio Huang) recibe la influencia cultural de su novia argentina Lucia (Viviana Cantin), una folclorista abandonada allí, quien sabe por qué.

Lo cierto es que Lucero quiere ser argentino. Para ello, organiza una peña, se viste de gaucho y trata de cantar como gaucho. Ser argentino es sinónimo de ser gaucho, reduciendo la identidad a solo un aspecto de la historia y la sociedad argentina. Seguramente, nosotros argentinos hagamos lo mismo a la inversa.

Si bien la actuación de Huang no es la mejor de su carrera artística, su dramaturgia junto al director Juan Francisco Dasso logra abordar un tema tan viejo como la misma pampa argentina. De manera metafórica, China Pampa juega con los procesos de identificación culturales que hoy en día se manifiestan en todas partes del mundo. Particularmente en Argentina, más aun en capital y en el conurbano bonaerense, hay una enorme porción de población inmigrada desde el gigante asiático, pero sin pretensiones a la vista de adaptarse del todo al ser nacional.

Tal vez, el “ser” o “querer ser” argentino puede observarse a flor de piel en los más jóvenes chinos y descendientes, que comparten no solo las fuertes raíces tradicionales de sus antepasados sino también la socialización permanente de los pares etarios, tanto sean originarios como no. Es muy fuerte, además, la influencia que desde las redes sociales, en cualquier dirección del mundo, se recibe y se produce en constante intercambio de bienes culturales. Por esto mismo, es posible que el contacto con el origen se mantenga permanente, sin esas escansiones que hace varios años sin internet y el entorno adecuado se perdían.

A pesar de todo esto, China Pampa olvida que es representada en Argentina y que el chino hablado sin subtítulos se pierde. Por lo tanto, la obra posee partes que son difíciles de entender, a menos que se pueda seguir un poco la gesticulación. De esta manera, Xiaodi Chen podría no estar, nadie  notaria su ausencia en absoluto.

Por otro lado, Viviana Cantin y Carlos Martin Fernández tratan de asentarse en dos personajes bien concebidos, aunque la historia los lleve por caminos no muy seguros. Son víctimas de una dosificación poco administrada.

China Pampa, en definitiva, nos hace pensar un poco en lo que pasa a nuestro alrededor con aquel diferente, pasible de sentirse perdido en medio de un desierto de gente.

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ENTRE TIPOS - DINASTIA de Mario Marino y Francisco Ortiz

Ficha Tecnica:
Actores: Francisco Ortiz, Matias Dinardo,
Ariel Sandez, Jeremias Cicero, Daniel Canney y
Franco Bertolucci
Direccion: Lisandro Bera
Espacio Cultural Pata de Ganso
Zelaya 3122, Buenos Aires.

Entre Tipos estreno su tercer capítulo Dinastía hace una semana en el Espacio Cultural Pata de Ganso, por la zona del Abasto. El grupo de actores, dramaturgos y directores teatrales que conforman Entre Tipos vienen realizando una especie de saga teatral con distintos formatos, como la sitcom, el vaudeville y, hasta ahora, la comedia dramática. Al parecer, en un futuro se viene la cuarta parte en formato de comedia musical.

Cada parte explora la problemática de un personaje (son cuatro protagonistas) y las situaciones  se van dando en cada momento de sus vidas con un dejo de línea temporal que conecta un capitulo con el otro.

El tercer capítulo, estrenado actualmente, se propone como comedia dramática oscura, en donde el acento esta en Federico, quien organiza el servicio fúnebre de su madre y aprovecha la situación para reencontrarse con amigos y, principalmente con su ex, Juan. Digo se propone porque, a mi parecer, como comedia carece de fuerza humorística, a pesar de contar con una seguidilla de bromas esparcidas a lo largo del relato. Además, estos gags, por lo general podrían no ser compartidos por el público fuera de cierto círculo de ambiente gay: como algunos modos de relación interpersonajes.

Aquí se oportuna un tema que este grupo teatral parece negar y que es la “temática gay”. Según su página web, descreen de los rótulos y de la estereotipaciòn sexual y de género, proponiendo en cambio la profundización de los conflictos y los personajes. Sin embargo, es difícil esquivar la estigmatización cuando no es algo que llevamos en la conciencia colectiva a la luz de nuestros pensamientos y que podamos extraer fácilmente de las representaciones que surgen del mundo que nos rodea. A esto me refiero cuando digo que la obra carece de definición en cuanto a si es una comedia o es un drama. Y que la tan mentada profundización se queda en la superficie. Los personajes son los mismos desde el comienzo hacia el fin. Inclusive  Federico, el protagonista, que buscaba el reencuentro con su ex después le escapa y se va a Londres, lo que conecta prematuramente con la próxima parte de la saga.

Por otro lado, es imposible olvidarse de tantas obras teatrales, cinematográficas y de otras artes que se vienen produciendo en la actualidad en cuanto al destape del tratamiento del tema de la sexualidad. Particularmente hablando de la homosexualidad (Trío, Trío 2, Homo S@lo (las tres de Gerardo Begerez), Las Llaves de Lucas Santa Ana (donde también actúa y escribe Francisco Ortiz), El cabaret de los hombres perdidos, El Placard y muchas más) y cuestiones de género (la que incluye muchas problemáticas). Sin olvidarme del teatro trans como La casa de Bernarda Alba producida por la cooperativa Artetrans, para dar solo un ejemplo.

Hablar de “temática gay” es meterse en un terreno lingüístico y hasta semiótico que requiere de un espacio más adecuado de discusión. Lo que aquí el grupo teatral propone es válido en tanto espectáculo, y como tal cumple su efecto.

Desde ya, la universalización de los conflictos es bienvenida y es una parte sana de discusión en estos primeros años que nos tocan vivir con un contexto legal democrático  como la Ley de Matrimonio Igualitario y Ley de Identidad de Género. Tanto el teatro como el cine nunca escaparon de ser mediaciones sobre temas de la vida social y “Entre tipos  - Dinastía” también es el caso.

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¿QUE TENDRA LA PRINCESA? de Adriana Arach

Ficha Tecnica:

Actriz: Adriana Arach
Direccion: Bernardo Sabbioni
Dramaturgia: Adriana Arach y Bernardo Sabbioni
Sala:  La Scala de San Telmo

Hacer un monologo no es fácil. Menos aun cuando la monologuista cuenta la historia de su vida. Su infancia, su adolescencia, el primer amor, los padres, la decisión por una carrera universitaria, el primer trabajo, las angustias y los desencuentros, la vuelta al origen. En definitiva, la vida vista con los ojos sobre el pasado.

Adriana Arach es la princesa nacida en cuna sirio-libanesa, de tradición fuerte y perdurable en el tiempo, con papeles establecidos desde hace siglos para cada miembro de la familia. Pero a ella, en realidad, no le toco ser la heredera del trono, sino ser testigo de los laureles ajenos.

En esa vida, tan común como la de cualquiera que provenga de familias tradicionales como las europeas judeo-cristianas, musulmanas u orientales, está muy arraigado el papel de la mujer. Y en esta, en particular, se pasa revista tanto de alegrías como de desgracias, amores platónicos y desengaños.

Esa vida, sin embargo, nos recuerda lo especial de cada una de nuestras vidas y experiencias que nos marcan a fuerza de ley las conductas esperadas y los sueños que alguna vez tuvimos o quisimos tener.

La actuación de Arach tiende a ser materna, por lo que la emoción del relato traspasa el escenario y hace soltar una lagrima sobre el final. Sin embargo, los monólogos suelen ser contados con entusiasmo sin olvidarse la letra. En este caso, el relato se vale de la ayuda de un atril lleno de hojas pesadas que van cayendo a medida que pasa la historia.

En definitiva, la actriz logra su cometido no solo porque llega a la platea sino también porque hace rememorar a esas mujeres de la familia que de niños nos sentaban en el regazo y nos contaban esas historias de vida que, aunque en el ámbito público carezcan de sentido, en lo privado están completamente cargadas de él y llevan su peso con orgullo.

https://www.facebook.com/QueTendraLaPrincesa?fref=ts

Reservas: http://www.alternativateatral.com/obra27082-que-tendra-la-princesa

LAS LLAVES de Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz

Elenco:

Francisco Ortiz, Matías

Sebastián Suñé, Pedro

María Urtubey, Sofía

Julián Bonardi, Lucho

Ficha Técnica

Dirección: Lucas Santa Ana

Dramaturgia: Francisco Ortiz y Lucas Santa Ana

Dirección de arte: Juan Herrera Prado

Música: Gonzalo Viñes

Fotografías: Pablo Pamucio

Diseño Gráfico: Hernán Cabrera

Realización de video: Lucas Santa Ana

Pantalla chat: Gustavo Campos
Las Llaves Teatro

Originariamente, Las Llaves es un cortometraje de 2011 ganador del primer premio del Festival Libercine ese año. Cuenta la historia de Matías que lleva al nuevo novio a su departamento. Cuando este se entera que Matías aun tiene las llaves de la casa de su ex descubre que aun hay cosas pendientes entre ellos y decide irse. Pero para demostrarle que no es así, Matías llama por teléfono a Pedro, el ex, lo que desencadena una situación incómoda para todos.

La obra de teatro va mas allá de esa situación y, como desencadenante, la llamada da origen a un cruzamiento de historias, con la incorporación en escena no solo del ex, Pedro, sino también de un cuarto personaje, una directora de teatro de una nueva obra que se está por estrenar, de la cual Pedro quiere  formar parte para repuntar su carrera de actor.

Hay varios puntos y contrapuntos en esta obra. Dentro de la camada de obras de temática gay que se vienen produciendo últimamente en Buenos Aires, se podría decir que es una de las más divertida y entretenida. Se da lugar al vodevil muy característico de esta ciudad, pero no llega a ser la comedia de enredos a la que está acostumbrado el público en general.

Por otro lado, la historia se sostiene con las vueltas al pasado en la relación entre Pedro y Matías, a veces bien marcadas y otras no tanto por la iluminacion. Vueltas posibles en una relación entre amores que no está bien cerrada, pero en este caso, para reafirmar la negativa, asunto que a mi parecer se podría haber explorado desde otro lugar.

Así, el personaje de la directora quedaría demás, porque en el recurso del meta discurso teatral, hablar arriba de un escenario de actores que quieren actuar, me parece reiterativo y poco original. Algo extraño considerando las horas de trabajo que les llevo a los autores concebir esta obra, aun partiendo de un corto tan atractivo.
Así y todo, Las Llaves es nueva en su contexto y no deja de tener algo de innovación. Creo que las actuaciones son acertadas en general, los personajes están bien logrados y la obra llega al público memorablemente

ESPEJITO DIME TU de Mercedes Farriols

Ficha técnica:

Autora: Mercedes Farriols

Elenco: Graciela Giménez, Claudia Lagard,

Rosa Ciano, Alicia Pradella,

María Rosa Solari, Flavia Mpolás

Música: Matías Keller Sarmiento

Gráfica y fotos: María Guadalupe Guiñazú

Asistente: Guadalupe Dambra

Dirección: Virginia Lombardo

Teatro El Vitral, Rodriguez Peña 344.

Viernes 21 hs

“Espejito, dime tu” es una comedia sensiblezca donde cinco mujeres de avanzada edad remiten a sus sueños y deseos para enfrentar un presente no del todo querible, la propia vejez.

Con la escusa de un concurso de belleza se reúnen y son despojadas de vestimenta y maquillaje, todo lo exterior, para que sean miradas por ellas mismas y por el público desde su interior. Interior que nunca llega a ser visto, ni siquiera expuesto.

En primer lugar, la autora se vale del recurso del formato televisivo para dar forma a la reunión de estas cinco (podrían ser menos) y así excusar un concurso que a lo largo de la obra se pierde, desdibujándose en las fallas técnicas de iluminación y puesta en escena. Lo único que se mantiene es una “mirada a cámara” constante que interpela y busca refugio, pero que al final molesta, justamente por esa constancia que en teatro no es común.

Por otro lado, la “conductora del programa”, en contraste con las demás es una joven mujer, estira su discurso con pausas innecesarias que le restan verosimilitud al asunto de la conducción. Si bien lleva adelante el transcurrir de la obra, carece de firmeza y confianza a la hora de producir el dialogo.

Solo uno de los seis personajes sufre transformación, que finalmente acepta su edad. Pero lo hace, pareciera, porque así tiene que ser, porque es el final que dice el texto, y en definitiva, porque los otros personajes también renuncian al cambio y mantienen su historia.

Mas allá de todo esto, la obra cumple. Es rescatable por lo que propone y también por el notorio esfuerzo de las actrices a recordar la letra.

www.teatroelvitral.com.ar

HP/ HANS POZO de Luis Barrales Guzmán. Dirección de Gisel Sepúlveda.

Ficha Técnica:

Actores: Javier Salamanca, Nibaldo Maturana,

Ma. José de la Cruz y Daniela Moraga.

Diseño Integral: Karen Utrera

Vestuario: Gina Peiretti

Dramaturgia: Luis Barrales Guzmán

Dirección: Gisel Sparza Sepúlveda

Al mejor estilo de los rounds de improvisación, pero con nada dejado al azar, HP/Hans Pozo se estreno el jueves 5 de septiembre en el Teatro Mandril del barrio porteño San Cristóbal gracias al Colectivo chileno La Obra; un espectáculo escrito por Luis Barrales Guzmán, “Mejor Dramaturgo chileno” en 2010 con el premio Altazor.

HP está basada en la cobertura mediática de un asesinato de un joven producido en el 2006 en Santiago de Chile. Se trataba de un muchacho pobre que fue encontrado desmembrado y por partes. La construcción de realidad que hicieron los medios sobre su muerte produjo tal interés en la opinión pública chilena, que se pusieron en evidencia los límites de la marginalidad y de la condición moral de vida en una sociedad altamente influenciada por el modelo de vida neoliberal de las últimas décadas.

La HP/Hans Pozo estrenada en Buenos Aires cuenta con las destacadas actuaciones de cuatro actores que personifican varios papeles en la medida que el relato lo requiera. El componente audiovisual de transparencias proyectadas en un fondo ayuda a crear un clima documentalista, en tanto que lo empapelado en ese fondo se somete a modificaciones en tiempo real e intervenciones actorales de todo tipo.

Por otro lado, la puesta tiene ese componente lajino procedente del dramaturgo, dado su origen que remite a lo callejero y lo desprejuiciado de la vida fuera de la metrópoli. La infancia libre y carente de temor, la vida intensa, “patiperra, chucheta y garabatera”, dice Guzmán, con la que “no había tiempo para perder encerrado”.

No es casual el acento con el que la obra esta hablada. Todos los actores son de origen chileno, lo que le otorga un giro de importación al mejor estilo latinoamericano.

HP/Hans Pozo nos trae los tiempos de crisis que se vive Chile a Buenos Aires al exponer la problemática de  marginalidad en el sistema neoliberal al que esta subsumido el país vecino desde hace muchos años.

HP toma un valor testimonial de la actualidad chilena, algo que no es nada nuevo en Argentina, debido a la erupción trágica del 2001 y al intento de salir a flote de una población sumamente castigada en todos estos años.

Está claro que los argentinos no tienen que envidiarle nada al país hermano en lo que a problemática sociales respecta, pero si es posible un poco de atención en lo que al mundo le toca vivir y padecer en la actualidad.

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EL EXPERIMENTO DE PROSPERO de David Amitin y Jose Padilla

Dirección: David Amitin

Elenco:

Sol Bordigoni, Stefanía Koessl,

Fernando Contigiani,

Rodrigo Álvarez, Daniel Toppino

y Arturo Alonso.

Funciones: Agosto: viernes, 23:00 hs. / Septiembre: sábados, 20:30 hs.

Lugar: Andamio 90 (Paraná 660)

Reservas: Teatro: 4373 5670 

El Experimento de Prospero explora la posibilidad de recrear el primer momento del hombre como búsqueda del porque de su naturaleza, en un tiempo indeterminado y en un lugar cualquiera. Contempla la posibilidad de convivencia del Prospero y Ariel de Shakespeare con el experimento que Marivaux desplego en “La Disputa” de mediados del siglo XVIII.  

¿Cual es la verdadera naturaleza del hombre?, se cuestiona Prospero.

Para averiguarlo, encierra a cuatro especímenes humanos, dos hombres y dos mujeres, para luego hacerlos encontrarse con el mundo desconocido, con otros como ellos y consigo mismos. La falta de contacto humano los va a llevar a expresarse de forma extraña, casi primate e infantil, para luego perder todo vestigio de ignorancia por arte de magia y pasar al estadio del amor como si eso fuera lo más primario en el ser humano. Lo es. Pero en un primer momento de madre a hijo y solo con el correr de la adolescencia es posible que la libido gire y descubra otros cuerpos y otros amores.

Si el origen del hombre como especie es un simple momento y como tal es único e irrepetible, y por mas que fuera posible recrear ese momento histórico, así y todo no sería lo mismo. Y entonces, únicamente tendríamos por delante la hazaña y la responsabilidad de abrir tantas puertas a nuevos mundos como veces quisiéramos, ya que si fuera posible hacerlo una vez por qué no intentar tantas veces como resulte necesario.

Sin embargo, la repetición de ese momento decisivo no garantiza que Prospero encuentre lo que estaba buscando. Al contrario, por más que repita el experimento cien veces siempre se encontrara con lo mismo, egoísmo y desazón.

Ahora bien, ¿es necesario hacer el mix de personajes shakesperianos con el nuevo teatro francés? Tal vez no, e inclusive eso hable de la falta de verdadera inspiración que sufre hoy en día el teatro en general. Por otro lado, esta obra sirve como disparador para que pensemos en cuál es nuestra verdadera razón de ser, no solo como ser humanos, sino también como seres inteligentes, aunque muchas veces dejemos de serlo por un momento.

http://experimentoprospero.wix.com/el-experimento

http://www.ladisputa.blogspot.com.ar/ 

http://classiclit.about.com/od/tempestwshakespeare/fr/aa_tempest.htm 

EL CABARET DE LOS HOMBRES PERDIDOS, dirección de Lía Jelin

En pleno barrio de San Telmo se levanta el emblematico café concert Molière, inaugurado en 2001 y, en esta pequeña sala, se acaba de estrenar la segunda temporada de El Cabaret de los Hombres Perdidos protagonizada por Omar Calicchio, Diego Mariani, Roberto Peloni y Esteban Masturini acompañados al piano por Fernando Albinarrate.

Este espectáculo, escrito por Cristian Simeón y musicalizado por Patrik Laviosa, sobre una idea original de Jean-Luc Revol, obtuvo varios premios en 2007 en Francia, incluido mejor musical, mejor guionista y mejor director.

Aquí en Buenos Aires, este estreno llegó con nominaciones a varios premios pero los que finalmente alzaron estatuillas fueron Esteban Masturini como revelación con un María Guerrero y un Trinidad Guevara y Omar Calicchio también con un Guevara como Mejor Actor de Reparto.

El joven Dickie llega al cabaret comandado por el Sr. Destino después de salvar su pellejo de una paliza callejera. Significativamente, en ese momento tendrá que decidir si volver a la calle a enfrentar los peligros recurrentes o si quedarse y dar lugar a una vida que jamás vaya a imaginar. Sus sueños de ser cantante inmediatamente se ven truncados al verse envuelto en el círculo vicioso de las películas porno y su mundo.
La obra, de apenas una hora y media, se vale del mundillo gay y trans para dibujar personajes un tanto estereotipados y hacerlos jugar en números musicales nada originales. Sin embargo, el espectáculo merece ser visto por las destacadas actuaciones de los cuatro protagonistas.

Omar Calicchio luce todo su esplendor no solo porque posee un caudal de voz impecable sino también porque se le nota la gran resistencia a los movimientos de escena. Asimismo, vale con gran peso el asistente musical que compone, en uno de todos sus personajes, Diego Mariani. Tampoco queda relegada la drag queen Lullaby que compone Roberto Peloni. A mi parecer, sí bien cada uno de los actores tiene su canción solista, este musical carece de melodías pegadizas y recordables.

Algo llamativo en este musical es el papel del maestro Fernando Albinarrate, con algunas intervenciones y sin ser un personaje, se destaca por llevar adelante la música con su piano sólo durante toda la obra.




EL CABARET DE LOS HOMBRES PERDIDOS
Martes 20:30 Teatro Moliere - Balcarce 682
Reservas 4343-0777 o por AlternativaTeatral.com
www.alternativateatral.com/obra24580-el-cabaret-de-los-hombres-perdidos

FABRICA DE CHICAS de Osvaldo Peluffo

Ficha Técnica:

Intérpretes: María de la Paz Pérez,  Verónika Ayanz Peluffo

Autor: Osvaldo Peluffo

Diseño de vestuario: Verónika Ayanz Peluffo

Realización de vestuario: Selva Luz Garin González

Diseño de arte: Verónika Ayanz Peluffo

Realización de banda sonora: Mora Rodríguez

Asistente de dirección: Mora Rodríguez

Asistente técnica: Mora Rodríguez/ Johanna Raño Figuerola

Fotografías: Sandra Marrusero

Diseño de iluminación y producción ejecutiva: COMPAÑIA FÅRÖ

Directora asistente: Verónika Ayanz Peluffo

Puesta en escena y dirección general: Osvaldo Peluffo

Fabrica de Chicas aborda la violencia de género desde dos puntos de vista distintos, desde la óptica de dos mujeres con experiencias de vidas diferentes, pero que en definitiva cristalizan otra mirada que es la que regula y configura el mundo en el que vivimos realmente.

Dos empleadas de una fábrica de cajas de cartón conviven día a día en horario laboral y comparten la experiencia que cada una de sus vidas les otorga. Por un lado, Alma (Veronika Ayanz Peluffo) es una joven que no puede reconocer que su marido la maltrata física y verbalmente, y por el otro, Esther (María de la Paz Pérez) es una mujer grande con algunos demonios en su haber y que no puede hacer ver a Alma lo que sucede en sus narices.

Esta obra es un drama fuerte, con algunos altibajos emocionales, capaz de producir en el espectador esa angustia y ese miedo que cualquier mujer sentiría si su mundo se viene abajo.

Como es sabido, las víctimas de maltrato y violencia domestica no son capaces de ver lo que las oprime porque aun se vive en una sociedad patriarcal y machista. Una sociedad que oprime, regula y cercena tanto el cuerpo como la mente femenina, y configura a la mujer como órgano reproductor y conservador de los valores mas retrógrados de los que somos testigos mudos y, también, participes.

Fabrica de Chicas es concisa y va a la acción en primer plano. La escenografía no es pretenciosa pero ayuda a la acción y está muy bien predispuesta en el pequeño espacio que ofrece la Compañía Faro.

La dirección y la dramaturgia la tiene Osvaldo Peluffo, que si bien no deja de ser una mirada masculina sobre el tema, cuenta con la ayuda de su esposa Veronika Ayanz.

El espacio Compañía Faro queda en el barrio de congreso, calle Moreno entre Rincón y Pasco, y las entradas son únicamente por reserva telefónica.

FUNCIONES DE AGOSTO: DOMINGOS 4, 18 Y 25 DE AGOSTO, 19HS

                                                     SABADO 10, 21HS

FUNCIONES DE SEPTIEMBRE: SABADOS 21HS

MORENO Y PASCO. BARRIO CONGRESO.

SOLO POR RESERVAS AL 2051 1370 (DEJA TU NUMERO DE TELEFONO Y UN EMAIL) O A CIAFARO@YAHOO.COM.AR O  A TRAVÉS DE FACEBOOK

https://www.facebook.com/CompaniaFaroyLoftCultural

LA PENA DE SHAKESPEARE de Adrian Vocos

Ficha Técnica:

Actores: Alejandra Farias, Julián Cortina, Lucas Di Conza, Sabrina Marcantonio y Ramiro Revainera

Vestuario: Alejandra Farias

Iluminación: Matías Pilatti

Diseño Grafico: Débora Venturi (Algarrobal Estudio)

Peinados y Escenografía: Attenti la Tosca Teatro

Dirección: Adrian Vocos

Considero que el tema de la identidad siempre es y será un tema de actualidad, mas aun teniendo en cuenta el pasado reciente de nuestro país. Siempre es necesario recordar y hacer memoria de los hechos y los recuerdos que sucedieron en la década del 70.

Adrian Vocos, autor y director, propone una lectura distinta. Su mirada surge desde la duda acerca de qué siente el actor cuando no lo dejan actuar. Así, cuando el ser humano carece de juego, porque hasta el niño, adolescente y el adulto juegan, es posible que algo en el interior del alma se apague y tienda a entristecer la mente.

Sin embargo, esta pequeña obra va más allá de eso y hace tener presente la memoria activa, que nos impacta una y otra vez, al mismo tiempo que reclama justicia y memoria.

En La Pena de Shakespeare cuatro actores se esconden de los agentes de la represión para poder actuar y hacer lo que mas saben hacer, expresarse. Sin embargo, la figura de la represión se hace presente con la impronta militar y esclesiastica que encarna Lucas Di Conza, conocido por su actuación en la película Tetro que Francis Ford Coppola filmo en Buenos Aires en 2009.

Los demás actores también se lucen a su manera. Aunque se hace reiterativo el recurso del llanto y la angustia, parece que no hay lugar en las interpretaciones para la ira que tan bien podría utilizarse en situaciones de vida o muerte. Es comprensible que el tema que aborda la obra sea de determinada delicadeza, pero eso no quiere decir que alguna vez se imparta un tratamiento mas duro sobre el tema.
Conclusion, esta es una obra que realmente vale la pena ver por su mirada y por las buenas actuaciones.

SIN FRONTERAS de Luis Agustoni

Ficha Tecnica:

Actores: Luis Troncoso, Constanza Fossatti, Santiago Rapela, Yamila Mayo, David Tache, Candela Blanco, Geraldine Leiva, entre otros.

Asist de direccion: Yamila Prieto

Iluminacion: Ramiro Galmes

Sonido: Lucas Gonzalez

Fotografia: Josue Romero Sineiro

Diseño Grafico: Santiago Rapela

Produccion Ejecutiva: Geraldine Leiva

Produccion: Teatro El Ojo

Direccion: Luis Agustoni

Sin Fronteras es una pequeña obra con autoría y dirección de Luis Agustoni, renombrado actor, director y dramaturgo argentino premiado por múltiples trabajos a lo largo de su carrera.

Sin Fronteras, estrenada hace unos meses en el Teatro El Ojo, enfrenta a dos familias que van a despedir a un hijo y una hija, novios entre sí, médicos, decididos a cumplir tareas solidarias en Somalia. Ambas familias entran en discordia con sus respectivos hijos, pero también están en conflicto interno cada una de ellas porque la partida que deviene al final los hace enfrentar también con sus historias y sus dolores.

Si bien la obra es corta y el conflicto se presenta en la primera línea, de golpe, un poco a lo bruto, nos introduce en varios temas cotidianos, comunes, pero que no dejan de tener validez en cualquier círculo familiar.

Las actuaciones son buenas, algunos personajes me parecen exagerados, no a nivel actuación sino en el sentido de configuración del personaje, aunque esto podría deberse a la rapidez con la que todo concluye.

En definitiva, no hay un tema en particular al que tengamos que prestarle atención, sino que Sin Fronteras es un rejunte de problemas de todos los días. En definitiva, hoy ya no es un problema que un hijo viaje a la otra punta del mundo porque en el haber se cuentan con muchas herramientas de comunicación o, en este caso, incomunicación.

VICTOR O LOS NIÑOS AL PODER, dirigida por Lorenzo Quinteros

Ficha Técnico Artística:

Elenco: Eduardo Calvo, Alejo García Pinto, Carolina Adamovsky, Daniela Catz, Jorge Paccini, Romina Moretto, Hilario Quinteros, Gabriel Lima y Julia Tapia.

Asistente de Dirección: Charly Di Gerónimo, Julieta Biagioni

Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco

Asistente de iluminación: Verónica Lanza

Escenografía y vestuario: Víctor

Realizador de escenografía: Mauro Petrillo        

Producción ejecutiva: Charly Di Gerónimo, Julieta Biagioni, Romina Moretto

Música original: Eduardo Felenbok

Maquillaje: Silvina Roccisano

Fotografía: Sol Janik

Diseño Gráfico: Oxígeno Gráfico de E. Lanfranchi

Agradecimientos: Julio Suarez, Federico Ransenberg, Pablo Silva

Prensa: Octavia Comunicación www.octaviacultura.com.ar

Dirección: Lorenzo Quinteros

El sábado 13 de julio de 2013 se estreno en el Centro Cultural de la Cooperación la obra “Víctor o los niños al poder” escrita por Roger Vitrac en 1928 y dirigida ahora por el reconocido Lorenzo Quinteros.

La obra es una muestra importante del surrealismo francés de principio del siglo XX, donde se critica fuertemente a la burguesía de la época por su carácter clasificador y determinista de ciertos elementos de la vida moderna.

Víctor es el niño protagonista, encarnado por Eduardo Calvo, sumamente inteligente, prodigiosamente inteligente, quien articula los hechos en función de su pensamiento y de cómo deben ser las cosas, según su visión. Acompañan a Calvo en el elenco: Julia Tapìa, Daniela Catz, Alejo García Pintos, Carolina Adamovsky, Romina Moretto, Hilario Quinteros, Jorge Paccini y Gabriel Lima.

Sin dudas, Eduardo Calvo hace un excelente trabajo en el escenario, su gracia es natural y su vocalización perfecta, lo que permite que entendamos cada una de sus palabras sin mayor esfuerzo. Lo encuentro adecuado a su personaje y arremetido en la piel de ese niño perverso que articula sus mañas en detrimento de los que lo rodean.

Aunque la obra no es larga, una hora cuarenta, algunas actuaciones pierden fuerza y tienden a reconocerse para la humorada. Claro que, esta obra plantea una especie de absurdo como salida y visión de la época, pero en mi opinión, el dramatismo no debe dejar de ser un elemento contundente para abordar la crítica. Aun así, todos los personajes están en su posición y se llevan los aplausos merecidos.

A menudo es recurrente la pregunta de por qué hacer una obra de hace un siglo en la actualidad. Al respecto Lorenzo Quinteros comenta que “a pesar de sus imperfecciones y desequilibrios, Víctor o los niños al poder es una de las cimas del teatro surrealista” y que en ella “ve imprescindible retomar la teatralidad surrealista como manifestación vigente de la actualidad”.

A mi entender, lo que esta obra nos marca es que los tiempos definitivamente han cambiado y que las dualidades del ser o no ser se han desvanecido en el correr de la historia. Los niños de hoy en dia poseen otros elementos a la mano que les dan ventaja con respecto al crecimiento mental frente a los padres. Y quizás, los padres de hoy sepan encontrar en el absurdo de esta obra una salida a los nuevos problemas que se les plantea.

https://www.facebook.com/victorolosninosalpoder

Centro Cultural de la Cooperacion

OLIVERIO de Dario Cortés

Ficha Técnica:

Actor: Dario Cortes

Dramaturgia y dirección: Dario Cortes

Vestuario: Emilia Tambutti y Mandrágora Dominatriz

Escenografia: Sabrina Lopez y Agustín Arndt

Iluminación: Facundo Estol

Diseño Audiovisual: La Tina Prod Audiovisual

Asesoramiento literario: Adrian Melo

Producción ejecutiva: Chacha Amorosi

Asistente: Cristian Ava

El sábado 6 de julio de 2013 se estreno “Oliverio” en el Teatro Sha, con dirección, dramaturgia y actuación de Darío Cortes. Este unipersonal es una mixtura inspirada en la obra de Oliverio Girondo, en la estética de Tim Burton y en la impronta de la banda The Cure.

Darío Cortes encarna a Oliverio, un personaje entrañable, modesto, muy querible. Sus problemas de seguridad personal, la falta de trabajo y el rechazo de un amor lo hacen excluirse de la sociedad y vivir en un mundo configurado por miedos y fantasías. Sin embargo, a Oliverio se lo ve luchar para salir de su estado y descubrir todo aquello  que añora, como un nuevo amor y, en consecuencia, el mundo exterior.

Creo que Oliverio es una parte de cada espectador que vaya a verlo. Sus inseguridades son lo que nos mueve en la vida y sus miedos son el camino que alguna vez todos deberían transitar.

“Oliverio” fue estrenada en el verano en Mar del Plata, temporada 2012/2013, y estuvo nominada a los premios Estrella de Mar como Mejor Obra Off. Además, Darío cortes gano el Premio Federal Mundo T como mejor autor en Teatro Independiente por su obra “Alfonsina”. Y por “Desmesura”, también de su autoría, obtuvo tres nominaciones a los Premios Estrella de Mar en 2012.

www.oliverioteatro.blogspot.com.ar/

CUMBIA NENA de Cristian Jensen

Ficha técnica:

Actúan: Sara Pastormerlo, Eugenia Pérez Tomas

Música Original: Carminha Villaverde

Escenografía y vestuario: Eva Ritcher

Fotografía y diseño gráfico: Juan Manuel Mendoza

Producción: Candelaria Sesin.

Asistencia Artística: Julián Cabrera, Francesca Giordano

Dramaturgia y dirección: Cristián Jensen

Esta cumbia no es la villera. Esta cumbia es de nenas. De fantasías y sueños trucados, de amor y de odios. Cumbia Nena, opera prima de Cristian Jensen, compone dos personajes perdidos en una habitación, y la habitación en la noche.

Al estilo de Prevert, podría situar esa noche en la tormenta, la tormenta de la mente, la mente en sueños y así. Pero aquí, no hay mucha relación entre las cosas y se confunde la acción con el traspaso de un acto a otro. Quizás porque no todo tiene que tener un por qué. Tal vez, simplemente por cuestiones técnicas.

Técnicamente, Cumbia nena es impecable y la producción destacable: el sol que marca el día por afuera de la ventana, las diapositivas viejas -ejemplo de efecto audiovisual que se está poniendo de moda en estos tiempos-, las luces en general.

Menos importa que la sala sea chica –La Casona Iluminada otorga una habitación para las obras- porque eso le da un clima intimo, el espectador se entromete en la habitación de estas chicas.

Las chicas, Sara Pastormerlo y Eugenia Pérez Tomas -dos actrices formadas en el IUNA y con maestros como Pompeyo Audivert y Ricardo Bartis-, lucen sus talentos escénicos en la medida que la historia les permite contar lo implícito, mas allá de lo que se dice.

Y lo que se dice, finalmente, tal vez haga más referencia a lo ausente que a lo presente. Pero el espectador siempre es quien llena los espacios vacios en su mente, sea o no la intención. Lo importante es que quede claro por qué se hace lo que se hace en un escenario y que la gente lo disfrute.

ELLA de Felisa Rocha

Ficha Técnico Artística:

Actúa:

Felisa Rocha

Igor Herzog

Música: Couperin, Kohaut, Weiss

Diseño de Escenografía: Andrea Mercado

Dieño de Iluminación: Eduardo Perez Winter

Sonido: Sergio Gómez

Diseño de Vestuario: Cynthia Sasson

Intérpretes (Música): Igor Herzog

Diseño Audiovisual: Javier Olivera

Asistencia de dirección: Mercedes Marmorek

Pelucas: Roberto Mohr

Asistente de Producción: Vanesa Czekaj

Prensa: Octavia Comunicación

Fotografía: Alejandro Held

Ayudante de dirección: María José Schroeder

Dramaturgia: Felisa Rocha

Puesta en escena: Pablo Maritano

Ella es un unipersonal escrito y protagonizado por Felisa Rocha, con puesta en escena a cargo de Pablo Maritano.

Esta obra sin dudas plantea algo diferente en la escena porteña. No solo porque nos  remite a los viajes de una muñeca eterna que divaga por el mundo y cree ser lo que no es, sino también porque en ella convergen el formato audiovisual del video, la música en vivo y el teatro.

Felisa Rocha, vestida de dama antigua, es una muñeca que se enamora y tiene desencuentros, que se aventura y se desilusiona. Esta muñeca en el decir es eterna pero en la apariencia guarda historia y vivencias, que forman parte de ella y la configuran. Y como todo viaje, este relato nos enseña otro punto de vista a través del cual se puede ver el mundo.

El lugar: El Palacio, edificio art noveau alguna vez llamado Salón Argentino en los años 30, cuyo escenario albergo artistas como Alberto Castillo y Carlos Gardel, ayuda a sentirnos en una especie de extracción de época y ser pasajeros de ese avión que la muñeca lleva en mano.

También, la trayectoria de Felisa Rocha nos hace interesarnos en su obra, con garantía de que la poesía se apoderara de nuestros oídos junto al barroco laúd de Igor Hersog a través de las obras de Weiss, Couperin y Kohaut.

Para escuchar bien hace falta un poco de esfuerzo, a falta de micrófonos, aunque con el video final no haga falta.

Esta obra se puede disfrutar los jueves de mayo y junio a las 21 hs.

CORTINA DE ABALORIOS de Ricardo Monti – Dirección: María Moggia

Ficha Técnica:

Actúan: Karina Elsztein, Luciano Ledesma, Ezequiel Rodríguez Pose, Elías Córdoba.
Vestuario y Escenografía: María Sole y Mery Black
Diseño de iluminación: Tadeo Pettinari
Música en Vivo: Daniel Soruco
Diseño Gráfico e Imágenes: Marco Ferraro

Asistente de dirección: Sofía López
Producción General: La Mar en Coche
Producción Ejecutiva: Milena Láinez
Dirección y Puesta: María Moggia
Prensa:  www.octaviacultura.com.ar

Cortina de Abalorios es una obra metafórica, referida a una parte de la historia argentina, escrita en momentos de censura y represión en 1981 para Teatro Abierto. Por eso mismo, la obra nos lleva a imaginar una acción posible, una negociación de intereses, donde los que se llevan los beneficios no son las mayorías. Típica política, si se quiere.

Ya estamos acostumbrados, en la Argentina, a los juegos de los que están en funciones públicas y a sus transas con los poderes del momento. En este caso, Cortina de Abalorios nos recuerda al momento de “Argentina granero del mundo”, tiempos en los que el empobrecimiento de las clases bajas estaba disfrazado del progreso civilizatorio de las ciudades, el tendido de vías ferroviarias y las exportaciones desmedidas de riquezas nacionales.

Los personajes son típicos: Mama, que representa la carne argentina (aunque también se le podría encontrar un sentido de sistemático uso violatorio y usurero de la tierra y las riquezas naturales); Pezuela, el típico productor de campo; Popham, el empresario inglés; y el Mozo, representación de la clase trabajadora, sin voz posible en todo este juego.

Sin duda, lo más destacable de las actuaciones es la de Elías Córdoba como Mozo, que con su trabajo facial hace reír mucho más de lo esperado de un personaje de sus características.

La obra, escrita por Ricardo Monti, no pertenece al teatro clásico. Su argumentación es casi ausente, la causalidad no se aprecia, por lo que es una obra diferente y requiere del trabajo personal de cada espectador. Esto la hace interesante.

En ese sentido, a veces la mejor guía para distinguir cada momento en la obra es la iluminación, lo que en esta puesta no está bien definida y por momentos ausente.

Sin embargo, la obra es disfrutable y llevadera, las actuaciones son buenas y el teatro brinda una copita de vino en la entrada.

Cortina de Abalorios se presenta los viernes a las 23 hs en el Espacio Cultural Pata de  Ganso, Zelaya 3122, Capital Federal.

www.cortinadeabalorios-teatro.blogspot.com.ar/

CURACÒ, AGUA DE PIEDRA de Graciela Camino

Ficha Técnica:

Elenco:  Esteban Bortnik, Soledad Chavarría, Martín Cutino, Bernardo Morico

Entrenamiento físico: Vanina García

Dirección de arte: Soledad Chavarría

Proyecciones: Bernardo Morico, Martín Cutino

Puesta de Luces y realización: Esteban Bortnik

Dibujos en escena: Cali Mallo

Diseño gráfico: Pilar Perdoménico

Fotos: Diego Furci

Idea y realización de instalación: Cooperativa La Rabiosa

Asistencia de Dirección:  Stella Birchmeyer

Dirección general: Graciela Camino

Prensa: OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural www.octaviacultura.com.ar

El sábado 6 de abril se estrenò "Curacó, agua de piedra" en Oeste Estudio Teatral. Bajo la dirección de Graciela Camino, este montaje teatral que aborda el imaginario Fordiano es un espectáculo multifacético sobre una etapa de la vida de Aníbal Ford, y un estudio no académico sobre su obra.

"Curacó, agua de piedra" es una suerte de road-movie galponera, que indaga en la expedición de Aníbal Ford al Lejano Oeste pampeano y, junto con él, explora los relatos, mitos y vivencias de este desierto argentino.

Aníbal Ford fue escritor, periodista y un eminente teórico de la comunicación argentino. Fue el primer director de la carrera de Ciencias de la Comunicación y director de la maestría en Comunicación y Cultura en la UBA, dónde tuvo varias cátedras a su cargo. Aportó numerosos escritos de investigación en el campo de la teoría de la Comunicación.

Con un grupo de actores, Graciela Camino trabajó en la construcción de un montaje teatral que aborda el imaginario de Ford, su particular relación con los viajes de investigación, su producción literaria y periodística y la singularidad de su condición de académico y habilidoso. Su figura, o la invención poética sobre su figura, es lo que determinó el interés de aproximarse al material que guarda la Biblioteca Nacional. La intención no es académica, no es “citar”, “homenajear”, ni “analizar” el pensamiento fordiano, sino más bien, y siguiendo la huella de Aníbal, es una intención exploratoria: recorrer un poco más los ríos de sus viajecitos y regatas en busca de aguas que se insumen. El resultado: una ficción de aventura, entrañable y utópica.

El Montaje:

Espacio uno: Casa Colegiales. 
Esta instalación nos adentra en el universo de Anibal Ford explorador, investigador. Hombre de observacion latente en el campo de la simpleza, siempre llevada a cabo con buen atino sobre los significados de la cultura. La Casa Colegiales convida un rico vino y, a traves de la buena cepa argentina, recorremos los caminos por los cuales Anibal se dejo llevar. 

Espacio dos: El viaje por la cabeza de Aníbal.
Cuatro actores, cuatro personajes, son Anibal. Esta ficcion que nos invita a entrar en la cabeza de Anibal Ford y a navegar por la Pampa argentina, en busca de eso que èl siempre quiso plasmar en sus obras: la cultura no esta en los grandes circulos de intelectuales y artistas; la cultura es el rio, su desembocadura y su nacimiento en la roca. El transitar y las andanzas sobre ese rio son la dinamica de la cultura.  Y eso Curaco lo refleja de un excelente modo. 

En este viaje, las fronteras se borran. Tanto a los personajes como al publico, la pasion del relato invade y empapa de aventura. Cada uno es Anibal.

Para los que tuvimos el placer de ser sus alumnos  y aprendices, esta obra significa la cristalizacion de un pensamiento nitido y valorador de la simpleza del hombre, por sobre los mecanismos hegemonicos de produccion de sentido. 

Curaco es un viaje y vale la pena hacerlo.

Algo mas sobre Anibal Ford:

Chau profe. Una semblanza de Aníbal Ford en primera persona. por Christian Lourido

 http://www.evaristocultural.com.ar/-%20EVARISTO%20Nro.%2008%20-/ford.htm

Los diferentes ruidos del agua (fragmento).

http://www.elortiba.org/ford.html